Agora na sua quarta década fazendo música, a lendária banda Big Big Train regressa com seu décimo sexto álbum de estúdio, The Likes Of Us . O novo álbum reflete algumas mudanças. Será o primeiro álbum de músicas inéditas do cantor Alberto Bravin (PFM) e do teclista Oskar Holldorff, que ingressou em 2022.
Bravin substitui o amigo e vocalista de longa data David Longdon, que morre tragicamente em 2021. Bravin também é um compositor talentoso, estabelecendo um musical parceria com o baixista Gregory Spawton. Uma segunda mudança é assinar com a InsideOut Music, a principal gravadora progressiva. No passado, o BBT lançou seu material através de seu próprio selo, English Electric Recordings.
Uma terceira diferença dentro de The Likes Of Us são os temas líricos de reflexões pessoais dos músicos. Por exemplo, a obra Between The Masts fala às duas antenas de rádio em Sutton Coldfield que Spawton recordou desde a infância. Da infância de Bravin surgiu Miramare, a história do castelo construído pelo arquiduque austríaco Ferdinand Maximilian e sua esposa Carlotta da Bélgica.
Mas, musicalmente, nada mudou com Big Big Train. Tu ainda te vais divertir com alguns dos melhores clássicos do rock progressivo melódico do novo século. No entanto, talvez o elefante na sala deva ser abordado: Alberto Bravin substituindo David Longdon nos vocais. Embora esses sejam sapatos grandes para ocupar, não há preocupações. Não são necessárias comparações. Mr Bravin canta com clareza e alcance, elevando facilmente a melodia e a harmonia da música. Arranjos vocais finos sempre foram uma característica marcante de um arranjo BBT, um pilar igual à instrumentação. Bravin e BBT têm um futuro brilhante.
Falando do álbum em geral, e também de algumas músicas, como um fã de prog eu gosto tanto da intriga do tecnicismo quanto da imaginação da musicalidade individual. Para Big Big Train, o primeiro é sempre renderizado com sutileza para dissolver a complexidade na acessibilidade da música. É por isso que músicas como Miramare, Last Eleven ou a obra de dezassete minutos Beneath The Masts funcionam tão bem. O ouvinte é movido pela gentileza de um barquinho de papel num riacho de trutas em Midlands.
Esta última musicalidade é executada com uma paixão simples: elevar e mover o arranjo, seja por meio de uma melodia de piano, linha de baixo, enfeite de violino e sintetizador, ou uma injeção de seção de metais. Estas se fundem bem com a animada Light Left In The Day, a mais doce e suave Love Is The Light, ou o sutil e curto rocker Skates On. Todas essas coisas são maravilhosas e, talvez, misteriosas e, portanto, exigem várias audições para serem apreciadas.
Considerando todas as coisas, com The Likes Of Us , Big Big Train reafirma sua paixão e talento pelo rock progressivo melódico. Eles são mestres habilidosos do género, e este álbum é mais uma oferta divertida para os fãs do mesmo.
01. Light Left in the Day (6:10)
02. Oblivion (5:27)
03. Beneath the Masts (17:26)
04. Skates On (4:28)
05. Miramare (10:17)
06. Love is the Light (6:11)
07. Bookmarks (6:23)
08. Last Eleven (7:55)
09. Miramare (Single Edit) (8:55)
Músicos:
Alberto Bravin / lead vocals, guitar, keyboards
Nick D'Virgilio / drums, percussion, vocals, 12-string acoustic guitar, vocals
Rikard Sjoblom / guitars, keyboards, vocals
Greg Spawton / bass guitar, bass pedals, 12-string acoustic guitar, Mellotron
Dave Foster / guitars
Oskar Holldorff / keyboards, vocals
Clare Lindley / violin, vocals
Steve Hackett continua sendo um dos músicos mais prolíficos do rock progressivo. Apesar de uma agenda de digressão exigente com a revisitação da música antiga dos Genesis para a qual deu um contributo tão definitivo, este novo disco, “The Circus and the Nightwhale” será o seu trigésimo trabalho a solo.
É um disco ambicioso e rico. Hackett explicou que é uma espécie de álbum conceitual, valendo-se de suas experiências de vida como pontos de partida para os temas das músicas e a forma geral do disco, à medida que o personagem principal, Travla, se move do mundo muito concreto de Londres dos anos 1950 através de espaços cada vez mais metafóricos, através de provações e fogo, antes de terminar no ventre da baleia homônima. A riqueza vem sobretudo da variedade de estilos musicais que o disco consegue incluir. Há blues rock sujo em “Taking You Down” e algo mais próximo da fusão do rock em “Get Me Out!” e “Breakout”. Os fãs de Wobbler, Jordsjø e Big Big Train irão apreciar o denso e exuberante folk-rock pós-Gênesis de “Enter The Ring”, com suas guitarras de doze cordas em camadas e vocais conjuntos. Há traços de rock industrial em “Into The Nightwhale” e música folk do Oriente encontra o Ocidente em “Circo Inferno”. Então, cada música tem sua própria voz e seu próprio estilo musical, com apenas as sequências na gravação mantendo-as unidas. Ocasionalmente, essa variedade transborda para as próprias músicas – “Taking You Down” e “Wherever You Are” contêm vários estilos diferentes de música e arranjos. O registo certamente mantém te em alerta.
Há também teatro, com peças musicais mais curtas, como a excelente “These Passing Clouds”, servindo quase como prelúdios para as canções que servem como “grandes temas” no drama. Peças como “Get Me Out!” e “Ghost Moon and Living Love” têm aberturas fortes e teatrais, anunciando sua chegada.
O trabalho de guitarra é igualmente variado. Obtemos toda a gama de vozes de guitarra de Hackett neste disco, desde as batidas rápidas, fret-tapping e vibrato lamentoso até sons mais convencionais de blues rock e, claro, sua forma de tocar guitarra clássica e espanhola. Nenhuma parte do vocabulário de guitarra de Hackett parece estar faltando neste álbum, e qualquer estilo particular ou voz que tu achares mais evocativo, será encontrado em algum lugar da mixagem. Não faltam seções de guitarra longas e obrigatórias, mas nenhuma que seja muito longa, que ultrapasse as boas-vindas ou que afaste a música – os solos chegam quando a música precisa deles.
Em geral, as contribuições musicais dos outros músicos também são de primeira linha, especialmente do baterista colaborador de longa data Craig Blundell, cujo estilo de ataque inclinado para a frente pontua o álbum, embora tenhamos participações especiais de Nick D'Virgilio e Hugo Degenhardt. também. Roger King, a terceira mão musical de Hackett, também está em evidência, tanto nas cordas largas e nas partes de sintetizador quanto na produção geral.
É curioso que, como álbum conceitual, seja tão variado. E, de fato, se fosse uma partitura musical para uma espécie de espetáculo, a variedade da música sem dúvida ampliaria a atmosfera da produção. Deixarei como exercício para o leitor se a amplitude do registo é um ponto forte ou um ponto fraco. É certamente impressionante e há poucas partes fracas nos arranjos – cada peça funciona bem por si só. No entanto, o disco está no seu melhor quando é mais aventureiro, e as partes mais radiofónicas, como “Ghost Moon…” e a secção de abertura de “Wherever You Are” caem por terra em comparação com peças como “Circo Inferno” e “Get Me Out!” que são dinâmicos, bem construídos e emocionantes, e totalmente diferentes do resto do álbum. Terminamos com uma das peças clássicas de guitarra de Hackett, “White Dove”, um disco suave e lírico próximo de um disco enérgico e complexo. Dada a jornada que percorremos, esta é uma nota final de paz para o protagonista, com suas lutas superadas. Para aproveitar o tema biográfico do disco, ele finalmente chegou ao quarto que tem tudo que Hackett disse que sempre precisou quando jovem – uma cama, uma cadeira e uma guitarra. Há muito mais do que isso aqui – uma miscelânea que é mais uma grande tenda do que uma pequena feira.
01. People Of The Smoke (4:51)
02. These Passing Clouds (1:34)
03. Taking You Down (4:17)
04. Found And Lost (1:50)
05. Enter The Ring (3:52)
06. Get Me Out (4:15)
07. Ghost Moon And Living Love (6:43)
08. Circo Inferno (2:30)
09. Breakout (1:37)
10. All At Sea (1:46)
11. Into The Nightwhale (4:06)
12. Wherever You Are (4:18)
13. White Dove (3:13)
Músico:
Steve Hackett / electric and acoustic guitars, 12-string, mandolin, harmonica, percussion, bass, vocals
Mais:
Roger King / keyboards, programming, orchestral arrangements
Rob Townsend / saxophone
Jonas Reingold / bass
Nad Sylvan / vocals
Amanda Lehmann / vocals
Benedict Fenner / keyboards
John Hackett / flute
Malik Mansurov / tar
Craig Blundell / drums
Hugo Degenhardt / drums
Nick D'Virgilio / drums
O álbum que muitos acreditavam que nunca seria feito está aqui. E está prestes a explodir! Há quarenta anos, uma banda de Aberdeen gravou não um, mas dois dos álbuns seminais do rock dos anos 80. Agora a formação clássica dos Pallas regressa com “The Messenger”, um álbum que pega nas preocupações daquela época e as actualiza. Enquanto “The Sentinel” ecoou as preocupações da guerra fria e as sombras que ela lançou sobre todos nós, “The Messenger” encontra a banda reagindo às ameaças existenciais ao mundo em que nos encontramos. Desde o que fizemos ao mundo até às políticas que o moldam. Capturando a desolação que muitos de nós sentimos ao ver como o mundo continua a girar, ainda assim contém esperança. Uma luz nas trevas, para que nem tudo esteja perdido. Não há ajuda externa. Nenhum Sentinela para nos salvar. Desta vez a solução vive dentro de todos nós.
Este é um álbum que recompensa inúmeras audições. Com "The Messenger", Pallas criou uma rica tapeçaria musical que oscila entre as preocupações ambientais e uma guerra fria que se intensifica mais uma vez. E a aparente incapacidade dos nossos líderes de fazer qualquer coisa que não seja jogar lenha nas chamas. Apresentando faixas como "Sign Of The Times", "The Great Attractor", "Fever Pitch", "Heavy Air", "The Nine" e o homônimo "The Messenger", o álbum encapsula um espectro de emoções, misturando escuridão com otimismo, melodias robustas de rock com momentos de introspecção e maravilha. É incrível, mas tem momentos de ternura e admiração.
Alan Reed, que voltou à banda depois de mais de uma década como artista solo, explica: "Achei que finalmente tinha tirado Pallas do meu sistema. Fazia muito tempo que não nos falávamos. Mas eu ouvi essa música bem cedo e sabia que havia um álbum muito especial aqui. Então - para não ser muito preciso - eu voltei! Mal posso esperar para que as pessoas ouçam o que temos feito. É um evento musical que Estou muito orgulhoso de fazer parte."
“The Messenger” é uma prova da capacidade da banda em evoluir o seu som mantendo-se fiel à sua essência, apresentando uma narrativa musical que é ao mesmo tempo um marco na carreira e um comentário sobre as complexidades do mundo moderno.
Fonte: Pallas (Bandcamp)
Temas:
1. Sign Of The Times
2. The Great Attractor
3. Fever Pitch
4. Heavy Air
5. The Nine
6. The Messenger
Banda:
Alan Reed / lead & backing vocals
Niall Mathewson / guitars, vocals
Graeme Murray / bass, Taurus bass pedals, 12-string guitar, vocals
Ronnie Brown / keyboards, vocals
Colin Fraser / drums, vocals
Os arquitetos do requintado rock progressivo, Porcupine Tree, encerraram um hiato em 2021 e lançaram com 'Closure/Continuation' seu próximo álbum de estúdio. Para divulgar o álbum e apresentar as músicas ao vivo no palco, a banda saiu em turnê e fez um show no Ziggo Dome, em Amsterdão.
A nova formação conta com Steven Wilson, Richard Barbieri e Gavin Harrison, três membros principais dos Porcupine Tree, enquanto Randy McStine e Nate Navarro foram adicionados à formação da turnê.
A noite em Amsterdão foi especial. Primeiro e mais importante, o show foi filmado e agora está disponível como ‘Closure/Continuation. Live’. Em segundo lugar e muito impressionante é o facto de 17.000 fãs se reunirem no Ziggo Dome para assistir a um espetáculo que apresenta excelente música e diverte do início ao fim. O cenário era tão especial que Wilson até mencionou no seu pequeno discurso de boas-vindas após ter tocado 'Blackest Eyes' que é incrível que nos 12 anos de ausência o público tenha aumentado.
O set foi dividido em duas partes com intervalo de 20 minutos e bis no final. Os Porcupine Tree tocaram o novo álbum inteiro mas mixou-o com os demais destaques da banda impondo a discografia. Por isso é o lançamento de 2002, 'In Absentia', que contribuiu com cinco músicas para o setlist, o que faz muito sentido, já que foi o lançamento inovador da banda.
Apoiado por um show de luzes de excelente design e um cenário digital, o clima darḱ e melancólico da música dos Porcupine Tree ganhou um impulso extra e transformou a noite num espetáculo holístico que agora pode ser apreciado em casa.
Porcupine Tree na sua nova era é uma banda que coloca a música em primeiro plano. Tem menos a ver com indivíduos e egos. Em vez disso, é a paixão pela música complexa, mas cativante, que funciona como uma cola e é também por isso que 17.000 pessoas chegaram a Amsterdão nesta noite de novembro de 2022.
‘Closure/Continuation. Live’ é uma captura atemporal de um show especial de uma banda muito especial. É uma obra-prima do rock progressivo que com toda a complexidade é acessível a todos. É uma música onde o coração, a alma e a mente se unem; uma mistura que tu não encontras com muita frequência com tanta perfeição.
Temas:
01. Blackest Eyes
02. Harridan
03. Of the New Day
04. Rats Return
05. Even Less
06. Drown With Me
07. Dignity
08. The Sound Of Muzak
09. Last Chance To Evacuate Planet Earth Before It Is Recycled
10.Chimera's Wreck
11.Fear of a Blank Planet
12.Buying New Soul
13.Walk The Plank
14.Sentimental
15.Herd Culling
16.Anesthetize
17.I Drive The Hearse
18.Sleep Together
19.Collapse the Light Into Earth
20.Halo
21.Trains
Banda:
Steven Wilson / Guitars, keyboards, vocals
Richard Barbieri / keyboards
Gavin Harrison / Drums
Randy McStine / Guitars
Nate Navarro / Bass
Chris Comet tem um novo álbum lançado em novembro de 2023.
Chris Comet & Friends - Going Back In Time
Um álbum de rock progressivo no qual Chris tem trabalhado com vários outros artistas/músicos, incluindo:
Vocais principais: Bernie Chiaravalle, Steph Honde e Robbie Wyckoff, Rudiger
Guitarras: Scott Van Zen, Bernie Chiaravalle, Steph Honde, Glenn DeLaune
Bateria: Bodo Schopf, Chad Cromwell, Simon Philips, Shannon Forrest
Baixo: Craig Young, Antoine Katz
Vocais de apoio: Windy Wagner, Bernie Chiaravalle, Robbie Wyckoff, Glenn
Teclados, sintetizadores e órgão DeLaune : Chris Comet
Músicas originais compostas por Chris Comet, em colaboração com Bernie Chiaravalle, Steph Honde e Glenn DeLaune. Chris Comet produziu, projetou, gravou, mixou e masterizou todas as músicas no Soaring Eagle Studios, Texas.
Chris Comet Bio
Chris Comet é compositor, produtor, arranjador e teclista. Depois de uma carreira de sucesso como músico/produtor/session man pela Europa, Chris Comet veio para os EUA há 35 anos, em Hollywood e começou a tocar e produzir em estúdios famosos como Westlake, A&M, Record Plant, Fantasy, estúdio privado da família Jackson e assim por diante. em… Trabalhou com músicos como Lenny Castro, Vinny Colaiuta (baterista de Sting, Madonna, Jeff Beck, Frank Zappa…), Michael Landau, Freddie Washington, Manu Katche (baterista de Peter Gabriel e Sting), Sam Riney no Sax, Glenn DeLaune, Bernie Chiaravalle, Chad Cromwell, Shannon Forrest, Robbie Wyckoff, Craig Young, Scott Van Zen, Bodo Schopf (do Grupo Michael Schenker) e muitos mais.
Hoje Chris Comet é proprietário do Soaring Eagle Studio, onde produz e grava seus projetos com uma variedade de talentos e músicos de todo o mundo.
1. Overture: Going Back in Time
2. Zykon
3. Can't Seem to Let You Go
4. For Ever & Ever
5. Right or Wrong
6. Is That So
7. Believe in Love
8. Supernova
9. What I'm Waiting For
10. In This House
11. Tell Me What You Want
12. Tears of an Old Man
13. You Are Not Alone
Rockers é uma compilação de músicas da banda Styx . Foi lançado em 2003. O álbum é notável por omitir deliberadamente quaisquer músicas das quais o ex-membro Dennis DeYoung foi o principal ou único escritor; até mesmo sucessos de balada para rock de DeYoung, como " Queen of Spades ", " Suite Madame Blue " e " Rockin' the Paradise " estão faltando. Foi uma tentativa dos membros restantes da banda de reposicionar Styx como uma banda de hard rock e se afastar das baladas de DeYoungian que marcaram os últimos álbuns de sua carreira e a maioria de seus singles de maior sucesso.
Em vez do famoso logotipo angular "Styx" (usado de alguma forma na maioria dos álbuns desde 1977), esta coleção reintroduz o logotipo curvo de seus primeiros quatro álbuns e não usado desde Man of Miracles , de 1974 . Originalmente, havia rumores de que o álbum incluiria a versão estendida de "Man in the Wilderness", mas a versão original foi incluída. A versão completa inédita finalmente apareceu no ano seguinte no lançamento Come Sail Away: the Styx Anthology.
Тemas:
1 - Midnight Ride [04:20]
2 - Shooz (Album Version) [04:46]
3 - Crystal Ball [04:32]
4 - Miss America [05:01]
5 - Man In The Wilderness [05:47]
6 - Blue Collar Man (Long Nights) (Album Version) [04:05]
7 - Renegade [04:13]
8 - Snowblind [04:58]
9 - Heavy Metal Poisoning [04:56]
10 - Love Is The Ritual [03:47]
11 - Little Suzie (Album Version) [04:48]
Banda:
Dennis DeYoung - keyboards, vocals
Tommy Shaw - guitar, vocals
James "J.Y." Young - guitar, vocals
Chuck Panozzo - bass, vocals
John Panozzo - drums
Glen Burtnik - guitar, vocals
Todd Sucherman - drums
Fish On Friday sempre foi capaz de caminhar na sua própria linha tênue entre o pop artístico bem trabalhado e o rock progressivo e conquistou seguidores cada vez maiores em ambos os campos. Embora cada álbum seja diferente, a banda tem seu próprio som distinto, com harmonias vocais exuberantes em cima de letras bem pensadas, neste caso de natureza mais nostálgica, daí a referência da faixa-título a assistir filmes caseiros antigos de 8mm.
Este, o sexto álbum da banda e a muito aguardada continuação do aclamado 'Black Rain', apresenta uma formação de Nick Beggs (baixo e voz), Frank van Bogaert (teclados e voz), Marty Townsend (guitarra) e Marcus Weymaere (bateria) e é o culminar de três anos de trabalho.
As sessões viram Nick Beggs assumir o papel de coprodutor com Frank van Bogaert. '8mm' é uma colaboração fascinante entre amigos e espíritos musicais afins e é o seu melhor trabalho até hoje.
Temas:
1. 8mm (4:43)
2. Collateral Damage (4:19)
3. Overture to Flame (1:45)
4. Flame (7:46)
5. Jump This Wall (5:54)
6. Don't Lose Your Spirit (5:43)
7. Funerals (7:39)
8. Silently Raging (4:11)
9. Instillers (5:19)
10. A New Home (4:25)
11. Like Is Like the Weather (2:31)
Banda:
Nick Beggs / bass, Chapman Stick, backing vocals, producer
Frank Van Bogaert / vocals, keyboards, guitars, producer
Marcus Weymaere / drums & percussion
Marty Townsend / guitars
Este cd duplo ao vivo dos Arena foi gravado na turnê de 2022 em diversos locais. Um livreto de 24 páginas vem repleto de fotos do palco e dos bastidores da banda e equipe.
É o primeiro álbum ao vivo com o novo vocalista Damian Wilson, um músico, compositor e vocalista inglês que apareceu em mais de 70 lançamentos de álbuns separados, mais conhecido como vocalista de Headspace e Threshold. Ele também cantou e excursionou com bandas e projetos como Star One, Ayreon, Praying Mantis e com o English Rock Ensemble de Rick Wakeman.
Temas:
DISC 1:
1. Time Capsule
2. Rapture
3. Bedlam Fayre
4. How Did It Come To This?
5. The Butterfly Man
6. Paradise Of Thieves
7. The Equation
8. A Crack In The Ice
9. Salamander
10. A State Of Grace
11. The Ghost Walks
12. Life Goes On
DISC 2:
1. (Don’t Forget To) Breathe
2. The Tinder box
3. The Visitor
4. Serenity
5. Solomon
6. Enemy Without
7. Crying For Help VII
Prestes a comemorar 30 anos no mundo da música no próximo ano, a banda sueca de música progressiva The Flower Kings regressa com seu décimo sexto álbum de estúdio, Look At You Now . Fundado pelo guitarrista, vocalista e principal compositor Roine Stolt em 1994, The Flower Kings tem sido um promotor seminal e contínuo do clássico melódico rock progressivo. Seu catálogo de trabalhos continua a influenciar e inspirar outros artistas, ao mesmo tempo que diverte seus fãs.
Olha para ti agora não és exceção. Este é o Flower Kings elementar. A musicalidade especializada e ágil e a habilidade musical hábil se destacam neste longo instrumento (cerca de 67 minutos), onde o clássico rock fundamental se cruza com arranjos luxuosos e levemente técnicos. O trabalho de guitarra de Stolt ocupa uma grande parte do álbum, mas não às custas de seus colegas músicos. Tag team, entrelaçamentos, duetos com sintetizadores e guitarra também abundam. No entanto, cada instrumento tem o seu momento de se expandir e brilhar. Também fundamentais para qualquer arranjo de Flower Kings são os arranjos vocais melódicos e harmoniosos; novamente, isso é abundante por toda parte.
Com Look At You Now tu vais encontrar 13 músicas que, surpreendentemente (ou talvez não), variam de três a cinco minutos. Mas, é claro, Stolt e companhia podem reunir muitos truques progressivos num pacote pequeno. Favoritos notáveis incluem Stronghold, um hino de construção constante com um solo de guitarra impressionante e longo; o curto Day For Peace, que se baseia principalmente no arranjo vocal; Father Sky tem apenas duas linhas de verso, mas tem um groove pop rock de forma livre; e Beginners Eyes, um exercício progressivo envolvido na acessibilidade AOR.
Temas:
01 – Beginner’s Eyes
02 – The Dream
03 – Hollow Man
04 – Dr. Ribedeaux
05 – Mother Earth
06 – The Queen
07 – The Light in Your Eyes
08 – Seasons End
09 – Scars
10 – Stronghold
11 – Father Sky
12 – Day for Peace
13 – Look at You Now
European Song Contest (ESC) e Season Of Mist é uma combinação que não se esperava ler alguns anos atrás. Mas os tempos mudam constantemente, e a Voyager é a ponte entre os dois polos.
Os australianos foram a primeira banda de Down Under a entrar no concurso de música e terminar em nono lugar no ranking. Para uma banda de rock progressivo com referências ao metal, o resultado é extremamente sólido, pensando também nos constrangedores 18 pontos que o colaborador alemão marcou.
A música que Voyager apresentou se chama 'Promise' e começa calma e bem melódica. Ao longo do caminho, a música evolui e até contém alguns grunhidos. Isso, junto com as melodias guiadas pelo sintetizador, criam uma mistura que funciona bem e encontrou alguns fãs na Europa.
Essa 'Promise' não é um flash na panela é o que o resto do longplayer espelha. A banda, fundada em 1999, tem experiência suficiente para escrever canções facetadas com um toque progressivo mais forte. De certa forma, Voyager continua sua jornada de sucesso e apresenta canções como a abertura cinematográfica 'The Best Intention' e boas canções pop 'Dreamer' que se desenrolam imediatamente e, ao mesmo tempo, têm mais a explorar. Este último garante um longo prazer de ouvir 'Fearless in Love'.
Emocionalmente profundo, esse é o melancólico 'The Lamenting'. A banda mostra que eles não apenas arranham a superfície, mas também têm a capacidade de criar um impacto emocional com sua música. E se tu quiseres ter uma primeira impressão do som do Voyager, também recomendo ouvir 'Twisted'. Os teclados e os excelentes vocais do membro fundador Daniel Estrin abrem uma faixa que também envolve guitarras pesadas e riffs fortes. É também a densidade do som que torna o álbum um deleite convincente.
Com 'Gren (Fearless In Love)' o álbum tem um final atmosférico. A banda cria paisagens sonoras e incorpora uma melodia que chama a atenção na hora.
'Fearless In Love' é o oitavo LP lançado pelos músicos de Perth, na Austrália. Com 'Promise' essa banda escancarou as portas quando se trata de reconhecimento na Europa e o álbum tem potencial para ganhar mais novos amigos. Esta colorida festa de rock progressivo acabou de começar.
Temas:
01. The Best Intentions 3:48
02. Prince Of Fire 4:46
03. Ultraviolet (ft. Sean Harmanis) 4:16
04. Dreamer 3:00
05. The Lamenting 4:10
06. Submarine 4:47
07. Promise 3:04
08. Twisted 3:54
09. Daydream 3:09
10. Listen 4:13
11. Gren (Fearless In Love) 5:25
Banda:
Daniel "Nephil" Estrin - Vocals, Keyboards (1999-present) - See also: Nachthimmel, ex-Psychonaut
Alex Canion - Bass - See also: ex-Inter Alia, ex-Noctis, ex-Psychonaut
Simone Dow - Guitars (2006-present) - See also: ex-Noctis, ex-Scourge, ex-Psychonaut
Scott Kay - Guitars (2010-present)
Ashley Doodkorte - Drums (2011-present) - See also: ex-Pyromesh
Os ELOY banda formada em torno do vocalista FRANK BORNEMANN são uma instituição quando se trata de sons ricos da Alemanha. Do meu lado, há apenas EPITAPH ou JANE para nomear, se uma comparação for apropriada. Claro, a maioria das pessoas pensa nos SCORPIONS quando pensa em Hanover, mas eles se sentem em casa num género completamente diferente. ELOY sempre tocou uma mistura melódica de arte, prog e rock!
Assim, depois de "The Vision, The Sword & The Pyre Pt.1 e 2" (2017 e 2019) após Corona, a terceira e última parte da trilogia sobre a heroína nacional francesa Jeanne D`Arc está agora nas prateleiras. Bornemann, dono dos famosos estúdios Horus Sound em Hanover, tem agora 78 anos e sabe-se lá por quanto tempo ainda quer fazer música a este alto nível. No entanto, as guitarras elétricas estão mais em primeiro plano desta vez em comparação com as primeiras partes, embora os sintetizadores esféricos ainda estejam presentes. Como a abertura parcialmente falada “Conspircy”, que, como outros títulos, é instrumentalmente muito reminiscente de PINK FLOYD. Seus fãs também irão curtir músicas como "Warning Signs" ou "Danger" em geral! A voz de Bornemann também está em bom plano, embora nenhum milagre seja esperado a esse respeito. A excelente balada "Farewell" fecha então um bom álbum com flautas, coros e guitarras, que até surpreende com uma música enérgica como "Fate" (ver vídeo) e assim também proporciona variedade. "The Pyre" seria minha dica para tentar, uma cornucópia rítmica e empolgante com uma quantidade incrível de talento!
Temas:
01. Conspiracy
02. Compassion For Misery
03. Echoes From The Past
04. Danger
05. Deceptive Glory
06. Warning Signs
07. Fate
08. The Pyre
09. Farewell
Banda:
Frank Bornemann - vocals, guitars, composer, production & mixing
Hannes Folberth - keyboards
Michael Gerlach - keyboards
Klaus-Peter Matziol - bass
Stephan Emig - drums
Yes - composto por Steve Howe, Geoff Downes, Jon Davison, Billy Sherwood e Jay Schellen - tem o prazer de anunciar o novo álbum de estúdio "Mirror To The Sky" no InsideOutMusic, a ser lançado em 19 de maio de 2023.
“Este é um álbum muito álbum importante para a banda”, diz Steve Howe, membro mais antigo dos Yes, guitarrista mestre e produtor de "Mirror To The Sky".
“Mantivemos a continuidade na abordagem que estabelecemos em 'The Quest', mas não nos repetimos. Isso era o principal. Como os Yes fizeram nos anos 70 de um álbum para outro, estamos crescendo e seguindo em frente. Anos mais tarde, os Yes muitas vezes começaram, mas depois não fizeram a próxima coisa. Este álbum é uma demonstração de nosso crescimento e construção novamente.” Para os Yes, essa 'próxima coisa' é uma coleção de alta energia, intrincada, novas canções de estúdio exuberantes e em camadas para um álbum que aumenta o muito anunciado legado da banda, enquanto traça um caminho para tempos futuros emocionantes à frente.
"Mirror To The Sky" apresenta não uma, mas quatro faixas com mais de oito minutos, com a faixa-título arrebatadora e cinematográfica chegando perto dos quatorze minutos. Além do mais, as faixas, como o melhor dos Yes, levam o ouvinte a uma ampla jornada dinâmica de paisagens sonoras que também mostram as guitarras deslumbrantes de Steve Howe, os sons impecáveis do mago do teclado Geoff Downes, melodias e preenchimentos requintados, os vocais angelicais e cristalinos de Jon Davison, O baixo habilmente dançante de Billy Sherwood e as explosões magistralmente controladas de Jay Schellen, na bateria.
Fonte: InsideOutMusic
Тemas:
01. Cut From The Stars 05:26
02. All Connected 09:03
03. Luminosity 09:01
04. Living Out Their Dream 04:46
05. Mirror To The Sky 13:54
06. Circles Of Time 04:55
CD 2:
01. Unknown Place 08:15
02. One Second Is Enough 04:04
03. Magic Potion 04:10
Banda:
Jon Davison - Vocals
Steve Howe - Guitars, Vocals
Billy Sherwood - Bass, Vocals
Geoff Downes - Keyboards
Jay Schellen - Drums, Percussion
A banda canadiana de progressivo rock Mystery lança sua nova obra, “Redemption”. Eu absolutamente gosto desta banda. Há algo na música deles que atinge os pontos certos do meu ADN musical. Mystery tem um sentido melódico que alguns muito selecionados têm, tanto quanto eu sei, independentemente do género. Se Mystery fosse uma bebida, o barman escolheria uma parte dos Pink Floyd, com sua atmosfera rica, suave e arejada. Uma pitada de melódico hard rock e toque de Prog Metal também é adicionado. Aí ele colocava uma boa porção de proficiência técnica no mixer, acrescentava bastante romantismo melancólico e misturava tudo junto e pronto: talvez a melhor banda de Quebec...
Enquanto escrevo isso, o encerramento do álbum “Is This How The Story Ends” é tocado num volume que normalmente levaria à interferência da polícia, mas, felizmente, meus vizinhos são velhos e deficientes auditivos, então acho que posso tocar essa linda música o mais alto possível como merece. Líder da banda e guitarrista extraordinário, a atuação de Michel St-Pere ao longo de todo o álbum é nada menos que sublime. E os membros da banda, pois eles são músicos fantásticos, todos eles.
Músicas favoritas, você pergunta? Bem, há um monte deles e esta é uma banda que simplesmente não coloca músicas fracas nos seus álbuns e isso continua a soar verdadeiro. Mas, em vez de ser preguiçoso e apenas afirmar que posso escolher, já que todos são muito bons, aqui estão meus três primeiros.
A faixa-título me lembra a igualmente brilhante “Something to Believe in” (de Lies and Butterflies) e “If You See Her” (Delusion Rain) com sua longa construção de majestade melancólica.
E os próximos dois temas são os verdadeiros épicos de “Redemption”, “Pearls and Fire” (uma coisinha curta, mas doce, com 12,43) e o acima mencionado “Is This How The Story Ends?” (19.11 de incrível, basicamente).
“Redemption” é incrível e cada indivíduo no mundo deveria ouvir pelo menos uma vez. É muito bom.
Temas:
01. Behind The Mirror (6:46)
02. Redemption (6:36)
03. The Beauty And The Least (9:15)
04. Every Note (6:01)
05. Pearls And Fire (12:43)
06. My Inspiration (8:24)
07. Homecoming (5:10)
08. Is This How The Story Ends? (19:11)
Banda:
Jean Pageau / vocals
Antoine Michaud / keyboards
Francois Fournier / bass, keyboards
Jean-Sebastien Goyette / drums
Sylvain Moineau / guitars
Michel St-Pere / guitars, keyboards
Se um músico e uma banda moldaram a conexão entre o rock e a flauta, então são Ian Anderson e Jethro Tull . Desde o álbum de estreia 'This Was' Jethro Tull pertence às lendas do rock e criaram com seu próprio som uma magia que fascina os fãs até hoje. Aqui não é apenas a flauta que é a característica identificadora do som Jethro Tull. Além disso, a voz distinta de Anderson contribui significativamente para o reconhecimento da banda. Também no novo álbum 'RökFlöte' essas marcas estão muito presentes e refletem 100% o som dos veteranos.
Um ano depois de 'The Zealot Gene', 'RökFöte' é o último trabalho de Ian Anderson e companheiros de banda chegando às lojas; outra obra-prima na longa história da banda.
Ian Anderson nasceu na Escócia. O nome, no entanto, indica raízes escandinavas e por isso Anderson mergulhou na sua própria história de origem. Uma análise de DNA apontou para raízes nos Bálcãs indicando uma jornada ao norte e talvez tenham sido os vikings que trouxeram seus ancestrais paternos para as Ilhas Britânicas. Essa viagem no tempo também inspirou um fascínio pelo mundo dos deuses em diferentes partes e regiões da Europa e, portanto, cada uma das canções é baseada num personagem ou papel de alguns dos principais deuses do paganismo nórdico antigo.
Ouvindo as músicas, percebe-se que cada uma das peças tem letras em forma de poema. Esse fato por si só mostra a versatilidade e criatividade com que Anderson compõe suas canções. Para dar mais expressividade ao tema, o início e o fim do disco são especiais. O artista islandês Unnur Birna contribui com palavras faladas que servem de introdução e encerramento. Birna cita o Codex Regius do século XIII em islandês antigo.
Embora 'RökFlöte' tenha sido originalmente planeado como um álbum instrumental para flauta de rock, as coisas evoluíram com o conceito lírico e de Ragnarök, flauta rock e trema como ancoragem nas origens germânicas de 'RökFlöte'.
Musicalmente, o álbum oferece tudo o que os fãs da banda podem pedir. Melodia e emoção são combinadas em 'Allfather' enquanto os tons mais calmos, como em 'Cornucopia' não ficam aquém. A última música é seguida pelo rock 'The Navigators', que mostra claramente a largura de banda de Jethro Tull em duas músicas.
Também vale a pena mencionar 'Hammer on Hammer'. Mesmo que a música comece calma, a faixa se desenvolve numa das músicas de rock mais pesado do álbum, equipada com um brilhante solo de guitarra no último terço. Além disso, 'Trickster (and the Mistletoe)', com influência mais celta, é um dos momentos mais altos num álbum geral muito variado.
Ian Anderson mostra com 'RökFlöte' que ele e Jethro Tull ainda são uma força a ser reconhecida. Mesmo depois de mais de 50 anos, o músico não perdeu a paixão e a dedicação, força motriz de canções de excelente qualidade que mostram que a qualidade ainda fascina mesmo numa era de mudanças rápidas.
Temas:
01. Voluspo
02. Ginnungagap
03. Allfather
04. The Feathered Consort
05. Hammer on Hammer
06. Wolf Unchained
07. The Perfect One
08. Trickster (And the Mistletoe)
09. Cornucopia
10. The Navigators
11. Guardian's Watch
12. Ithavoll
13. The Navigators [Bonus Track] (Single Edit)
Banda:
Ian Anderson (vocals, concert flutes, alto flutes, flute d'amour, Irish whistle, production, mixing, engineering)
Joe Parrish James (electric guitars, acoustic guitars, mandolin)
John O'Hara (piano, keyboards, Hammond organ)
David Goodier (bass guitar)
Scott Hammond (drums)
Empyre lança “Relentless” que chega com um som que é hino e intimista, a música dos Empyre é perfeitamente adequada para o palco da arena. E é exatamente onde eles querem estar.
Mas o que realmente diferencia os Empyre é sua capacidade de desfocar as linhas.
Eles têm uma gravidade. Uma qualidade cinematográfica. A abertura coral de “Parasites” tem “blockbuster” escrito por toda parte. Essas músicas têm um ritmo próprio. Eles constroem, caem e são mais pesados do que tu pensas, o guitarrista Did Coles e o baterista Elliot Bale estão à frente, e até em “Parasites” – que começa como se estivesse na trilha sonora de Game of Thrones, é como se a arma de fogo disparasse e há um grande e grosso riff de metal do nada.
Que isso seja lançado pela Kscope - uma gravadora progressiva, que tem Porcupine Tree, Steven Wilson, Anathema, Katatonia, The Pineapple Thief e TesseracT entre seus ex-alunos - faz sentido, porque o que une essas bandas é o desejo de inovar, de manter prog progredindo. Bem no meio disso está “Hit And Run”, uma enorme balada que leva um pouco dos Pink Floyd, e é quase a peça central do disco, mas essa honra provavelmente no balanço, pertence a “Forget Me”. A dinâmica dele é incrível.
Eu tenho que ser sincero, de todas as coisas que eu esperava, um riff de hard rock não estava no topo da lista. “Silence Screaming” tem um, no entanto, e não estaria muito fora de lugar no álbum recente que o mencionado Katatonia lançou. Uma música bastante brilhante, é difícil pensar em qualquer outra banda do Reino Unido atualmente que faria isso tão bem.
É o escopo dessa música que te atinge de novo e de novo. “Road To Nowhere” é uma jornada em si, e é um veículo para a voz incrível de Steenholdt.
“Quiet Commotion” é mais lenta, mais deliberada, mas há uma escuridão, como se escondesse uma grande verdade que não revela. O que é revelador, enquanto o baixo pulsa em “You're Whole Life Slows” e a guitarra geme ao longe, é que ela executa o melhor truque: soa épica em pouco mais de três minutos.
De fato, isso é verdade para o resto de “Relentless”. Isso cobre tanto terreno que dificilmente parece crível que possa ser feito em pouco menos de 50 minutos. No entanto, aqui estamos nós.
“Relentless” é o álbum, com certeza, onde as pessoas param de falar sobre os Empyre como tendo “potencial”. Eles já mostraram que tinham isso. “Relentless” é o registro – certamente se houver alguma justiça – que os coloca onde eles merecem.
Eles já eram uma grande banda. Agora eles estão num nível diferente ainda.
Temas:
01. Relentless
02. Waking Light
03. Parasites
04. Cry Wolf
05. Hit And Run
06. Forget Me
07. Silence Screaming
08. Road To Nowhere
09. Quiet Commotion
10. Your Whole Life Slows
Banda:
Henrik Steenholdt / vocals, guitar
Did Coles / guitar
Grant Hockley / bass
Elliot Bale / drums
Do grande país do norte o Canadá, a banda de rock progressivo Crown Lands está aqui para compartilhar não apenas seu novo álbum, “Fearless”, mas para comunicar a história do roubo de terras indígenas das Primeiras Nações durante o processo de colonização. Historicamente, a expressão terra da Coroa foi usada como justificativa para a violência colonial contra os povos indígenas. Por meio de sua música, Crown Lands quer aumentar a consciencialização sobre os efeitos de longo prazo dessa colonização e dar voz à sua comunidade de povos indígenas.
A dupla de Kevin Comeau (baixo, guitarra, teclas/sintetizadores) e Cody Bowles (baterista e cantor), juntou forças com um dos maiores produtores do rock, David Bottrill, para gravar este álbum. A discografia de David Bottrill é bastante extensa – bandas como Tool, Muse, Rush… só para citar algumas. Através da combinação da paixão e escrita de Crown Lands com a imensa produção de David Bottrill, somos presenteados com um disco de rock progressivo monstruoso.
O álbum começa com “Starlifter: Fearless Pt. II”, uma ópera espacial de 18 minutos que conta uma história tão antiga quanto o tempo – a batalha entre o bem e o mal. Quando a mística sequência de sintetizadores começa a música, ela rapidamente pula direto para uma explosão de sucessos colossais; uma carta de amor para 2112 do Rush. A força motriz dessa música é um groove rítmico que cria uma parede gigante de paisagens sonoras. Quando os vocais começam, tu agora estás totalmente envolvido nesta história de ficção científica de um fantástico conceito de futurismo indígena. Segue a história do personagem principal, Fearless, que vê seu planeta sendo colonizado e destruído pelo sindicato interestelar, aproveitando o poder do sol para destruir seu planeta por lucro e ganância. À medida que Fearless sobe, a música segue junto com ele com acordes e vocais poderosos e exuberantes que sobem por várias oitavas. A meio da música há um riff de sintetizador harpejado, que tem a banda sonora de Brad Fiedel para o clássico de ficção científica/terror de 1984, The Terminator. A música termina com batidas robustas de bateria de Cody Bowles, junto com sucessos em uníssono, num grande final de um belo acorde que toca até o fim.
Após a obra-prima de abertura do álbum de 18 minutos, vem “Dreamer of the Dawn”, uma canção de rock de 4 minutos que tem o sangue dos Rush correndo nas suas veias. Com música animada e um refrão para cantar junto, essa música realmente mostra que Cody e Kevin sabem como escrever e entregar para nós uma música de rock direto com pequenas partes de prog tocadas ali. Na marca de 2:30, Kevin entra com um solo de guitarra gritante, com belas partes harmonizadas que fazem te pensar nas linhas melódicas extremamente cativantes e coesas de Brian May que são, sem dúvida, cantáveis. Não faz sentido nesta música que tu pares de bater o pé, balançar a cabeça ou cantar as melodias extremamente cativantes de Bowles.
Há uma série de rockers de destaque, incluindo "Right Way Back" e "Context:Fearless Pt.1", inspirada nos Rush. Porém, a surpreendente sétima faixa do disco é uma bela instrumental chamada “Penny”; uma música totalmente acústica, de uma pessoa. Kevin escolhe seu caminho através de uma impressionante progressão de acordes que mantém sua mente à vontade o tempo todo. Enquanto toca guitarra sozinho e aberto, Kevin está disposto a confiar em nós o suficiente para nos guiar por sua jornada de encantadora vulnerabilidade. Embora essa música possa não ter vários compassos, solos de guitarra loucos ou preenchimentos de bateria massivos, ela se destaca como um limpador de paladar superlativo.
A última música do álbum é a poderosa balada de piano, "Citadel". Cody realmente mostra aquelas cordas vocais poderosas que soam como se Geddy Lee, Robert Plant e Paul Stanley tivessem sido combinados num enorme gigante vocal. A paixão nesta música é verdadeiramente palpável e se destaca do resto do álbum. Este é um final perfeito para uma jornada épica, poderosa e informativa através da fantasia, ficção científica e história.
Essa dupla dinâmica realmente nos mostrou que não precisa ser “acessível” ou “amigável ao rádio”; em vez disso, eles se esforçam para criar músicas esclarecedoras e divertidas que alcancem o público não apenas por meio de sua música, mas também por sua missão. Como uma continuação do álbum de estreia auto intitulado, ele realmente mostra que a evolução da banda é inegável e ilimitada.
Temas:
01. Starlifter: Fearless Pt. II
02. Dreamer Of The Dawn
03. The Shadow
04. Right Way Back
05. Context: Fearless Pt. I
06. Reflections
07. Penny
08. Lady Of The Lake
09. Citadel
Banda:
Kevin Comeau - Guitars/Keys Cody Bowles - Vocals/Drums
Antes do lançamento de The Dark Side of the Moon em 1973, os Pink Floyd anunciaram e estrearam o LP - número 55 na lista da Rolling Stone dos 500 melhores álbuns de todos os tempos - no London Planetarium. Cinquenta anos depois, a banda reviverá essa experiência trazendo Dark Side de volta aos planetários em março com uma “experiência de cúpula completa com visuais impressionantes do sistema solar” ( mas não O Mágico de Oz ).
A banda também lançou um concurso de animação onde os fãs são encorajados a combinar as músicas de Dark Side com seus próprios trabalhos, com o baterista Nick Mason, o diretor criativo do Pink Floyd Aubrey Powell e o British Film Institute entre os jurados.
Enquanto The Dark Side Of The Moon – Live At Wembley Empire Pool captura o LP ao vivo em seu estado totalmente formado e aperfeiçoado, no final de 2022, a banda carregou discretamente 18 shows pré- Dark Side em serviços de streaming (para manter seus direitos autorais) que apresentaram a banda trabalhando no álbum no palco antes de sua gravação.
Тemas:
CD1: The Dark Side of the Moon (2023 Remaster)
01. Speak to Me
02. Breathe
03. On the Run
04. Time
05. The Great Gig in the Sky
06. Money
07. Us and Them
08. Any Colour You Like
09. Brain Damage
10. Eclipse
CD2: Live at Wembley 1974 (2023 Remaster)
01. Speak to Me
02. Breathe
03. On the Run
04. Time
05. The Great Gig in the Sky
06. Money
07. Us and Them
08. Any Colour You Like
09. Brain Damage
10. Eclipse
Musicos:
David Gilmour / guitars, lead vocals (2,4,6,7), VCS3
Richard Wright / keyboards, lead vocals (4,7), VCS3 (8,9) & Synthi A (3,4)
Roger Waters / bass, lead vocals (9,10), VCS3, tape effects
Nick Mason / drums, percussion, tape effects
Com:
Dick Parry / saxophone (6,7)
Clare Torry / lead vocals (5)
Lesley Duncan / backing vocals
Liza Strike / backing vocals
Barry St. John / backing vocals
Doris Troy / backing vocals
O primeiro álbum dos Haken que eu ouvi foi 'The Mountain'. A partir desse momento fiquei fascinado com o som dos ingleses. Haken consegue combinar diferentes elementos num som próprio e único como quase nenhuma outra banda.
Há o dom musical dos seis músicos, que se revela na complexidade das canções. Além disso, Haken consegue adicionar com linhas melódicas bem feitas um atrativo para sua complexidade. E por último, mas não menos importante, os álbuns da banda sempre possuem um conceito lírico.
Desta vez é sobre o mundo animal, como já indica o título do álbum. Alguém se sente tematicamente lembrando um pouco do último álbum Long Distance Calling , mas Haken também apoia o assunto com letras.
Desde o início ficou claro que cada música deveria ser dedicada a um animal. Cada uma das nove canções tem uma profundidade e a exemplar 'Eyes of Ebony' pode ser mencionada. Por um lado, a música é sobre o rinoceronte branco do norte, que está à beira da extinção depois que o último macho morreu em março de 2018. Igualdade Richard Henshall dedica a música ao pai, que morreu de ataque cardíaco há quase três anos. Ambos representam o fim de algo e formam a estrutura básica da música.
Tão multifacetada quanto a letra é a música de 'Fauna'. Como exemplo, vale citar o genial 'The Alphabet of Me'. Os vocais de Ross Jennings por si só são inspiradores e demonstram o poder da voz do vocalista. Ao mesmo tempo, ele é capaz de interpretar as partes emocionantes com autenticidade, o que dá ao ouvinte a oportunidade de mergulhar nas letras.
'Taurus' alguns de vocês já devem conhecer dos recentes shows ao vivo da banda. Aqui também a letra tem duas interpretações possíveis. Geralmente se trata de grandes migrações e movimentos. No mundo animal é a migração do gnu e ao mesmo tempo a letra também pode ser entendida sobre a expulsão e destruição na Ucrânia pela invasão russa. A música é impulsionada pelo ritmo estrondoso, que reforça de forma brilhante o conceito lírico.
'Fauna' não conhece nenhum ponto fraco. Cada uma das nove músicas mostra toda a turma do sexteto. 'Islands in the Clouds' com sua linha de baixo saltitante é tão boa quanto a muito variada 'Lovebite' onde melodias encantadoras se misturam com riffs pesados.
A intrincada e lenta 'Elephants Never Forget' é outro deleite musical que revela novos detalhes para cada ouvinte.
'Fauna' tornou-se um álbum sofisticado. Não é tão pesado quanto os dois álbuns anteriores. Ao mesmo tempo combina com maestria as marcas Haken e é assim mais um destaque numa discografia impressionante.
Temas:
CD1
01. Taurus
02. Nightingale
03. The Alphabet of Me
04. Sempiternal Beings
05. Beneath the White Rainbow
06. Island in the Clouds
07. Lovebite
08. Elephants Never Forget
09. Eyes Of Ebony
CD2
01. Taurus (Instrumental)
02. Nightingale (Instrumental)
03. The Alphabet of Me (Instrumental)
04. Sempiternal Beings (Instrumental)
05. Beneath the White Rainbow (Instrumental)
06. Island in the Clouds (Instrumental)
07. Lovebite (Instrumental)
08. Elephants Never Forget (Instrumental)
09. Eyes Of Ebony (Instrumental)
Banda:
Charlie Griffiths / guitars
Ray Hearne / drums
Richard Henshall / guitars, keyboards
Ross Jennings / vocals
Peter Jones / keyboards
Conner Green / bass
Siena é uma tonalidade marrom-avermelhada, uma cor muito terrosa e quente. Assim, não é por acaso que os quatro suecos dos Siena Root incorporaram essa tonalidade ao nome de sua banda, pois reflete muito bem a sonoridade do quarteto. É esse som quente e orgânico que faz de 'Revelation' um álbum excepcional.
Os Siena Root têm suas raízes musicais nas décadas de 60 e 70. No entanto, a banda começou no final dos anos 90 e lançou seu primeiro álbum 'A New Day Dawning' em 2004.
'Revelation' combina muitas influências musicais. Clássico rock, rock psicadélico, blues e soul, todos esses géneros podem ser encontrados no som dos suecos e tornam seu novo álbum um verdadeiro prazer de ouvir.
Tudo começa com o rock dinâmico 'Conincidence & Fate'. Imediatamente se destaca a soberba voz de Zubaida Solid. Não é só isso que a cantora tem um volume vocal enorme. Ela também consegue dar à letra um toque de alma que vai do frágil ao enérgico.
A não perder é a estrondosa 'No Peace' antes de Siena Root entregar um destaque comovente com 'Dusty Roads'. Blues e soul apertam as mãos aqui, complementados por solos empáticos. Encantado tu ouves essa música e depois de um tempo percebes que estás ouvindo de boca aberta fascinado pelos sons dessa obra prima. Não há melhor maneira de combinar sentimento e intensidade. O mesmo se aplica à última faixa do álbum. 'Keeper of the Flame' é um ponto final emocionante e antes de alcançá-lo, há momentos mais engenhosos para descobrir com o swing 'Winter Solstice' e o folk 'Leaving the City'. E mesmo os momentos de influência oriental como em 'Madhukauns' se encaixam perfeitamente na estrutura deste álbum.
'Revelation' é com certeza um disco vais encontrar nas pesquisas do ano. Siena Root fez a sua obra-prima até hoje com este álbum. Com os pés no chão e profundamente enraizados nos sons dos anos 70, os Siena Roots respiram o espírito daquela época e conseguem trazê-lo para esta época de uma forma única. Verdadeiramente excepcional e vale a pena ouvir, isso é 'Revelations'.
Temas:
01. Coincidence & Fate
02. Professional Procrastinator
03. No Peace
04. Fighting Gravity
05. Dusty Roads
06. Winter Solstice
07. Dalecarlia Stroll
08. Leaving the City
09. Little Burden
10. Madukhauns
11. Keeper of the Flame
Banda:
Love Forsberg - Percussion
Sam Riffer - Bass Guitar
Johan Borgstrоm - Guitar
Zubaida Solid - Vocals
Lisa Isaksson – Flute
O grupo musical do Texas, SOR (também conhecido como South of Reality), foi formado na área de DFW em 2009. Originalmente chamado de Society of Robots , apresentando McMullen nos vocais e teclas e Walker na guitarra, eles tocavam localmente como uma banda de rock progressivo. Adicionando Wesberry nos vocais em 2014, eles hoje chamam sua música de "Progressive Redneck".
SOR foi comparado a Lynyrd Skynyrd, Axe, ABB e até Genesis.
Temas:
01. Stand On The Rock
02. What I Am
03. Two For The Show
04. Boomerang!
05. Fallen Warrior
06. Come And Take It
07. Buried Bones
08. Southland
Banda:
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John Walker - Guitars, Drums
Jeff McMullen - Vocals, Keyboards, Drums
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sexta-feira, março 01, 2024
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